« Les Autres ont été Réduits à l’Etat de Ruines »

« Je crée des œuvres qui explorent le récit de la répression, de la résistance et de la résilience, tout en m’inspirant de la topographie des Ambres qui sont remplies de terrains et de paysages intéressants mélangés à l’emplacement imaginé des éléments folkloriques de Ritmo Garote.
Mes œuvres sont un amalgame de différentes influences qui créent un contraste saisissant de différentes sensibilités qui empilent des couches d’images pensives et d’un autre monde.
La tranquillité du lieu mêlée à des idées de désir et de reconnexion en contraste avec les idées de résistance, de suppression et de transgression font toutes partie du mélange. Toutes ces idées se poussent et se tirent, créant une tension intéressante. »

Paramnesia

Lors de sa résidence Nazar a enrichi sa série intitulé « Paramnesia ».

Paramnesia est une série de natures mortes et de figures encore en cours de réalisation. Elle est basée sur des illustrations tirées d’un livre de cuisine soviétique (The Book of Tasty and Healthy Food), de vieux jouets, d’émissions télévisées des années 90 et 00 et d’autres documents d’archives relatifs à la vie domestique soviétique et post-soviétique. La paramnésie est l’un des termes désignant les troubles de la mémoire, dans lesquels il peut y avoir un mélange de passé et de présent, d’événements réels et fictifs. L’artiste aborde cette question non seulement dans le contexte de la psychologie humaine, mais aussi à l’échelle de la culture, de la politique et de la société. Comment voyons-nous le passé à l’ère de la post-vérité et comment le fantastique remplace-t-il le réel ? Notre mémoire est-elle manipulée ? La femme magnétique de l’émission sur les phénomènes anormaux, l’abondance soviétique de cristal du livre de grand-mère, la légende urbaine du macaque qui s’est caché dans un gratte-ciel pour échapper aux envahisseurs allemands, le bébé trouvé dans un chou, etc. La peinture, dans ce cas comme auparavant dans l’histoire de l’art, agit comme un enregistreur du mythe.

Autre série et inspiration initiée lors de sa résidence à Port Tonic Art Center :

Précédemment à sa résidence à Port Tonic Art Center, Nazar STRELYAEV-NAZARKO s’était illustré par un projet très ambitieux qui avait retenu l’attention du comité de sélection :

Watergames (« Jeux d’eau »)

Watergames est un projet de petites peintures à l’huile explorant le destin de la place centrale de Kharkiv, ville natale de l’artiste. La place Svobody était un projet architectural soviétique exemplaire, avec sa gigantomanie séculaire. Entourée d’une architecture constructiviste et stalinienne, la pièce maîtresse était un monument à Lénine, qui a été démoli par les habitants de Kharkiv après les événements de l’Euromaïdan en 2014. Quelques années plus tard, les autorités de la ville ont construit une énorme fontaine sèche à quelques mètres du piédestal détruit. Les gens ont commencé à utiliser la fontaine comme une plage municipale. Mais l’hiver suivant son ouverture, la guerre a éclaté et des obus russes sont tombés sur cette même place, comme pour se venger des tentatives des Ukrainiens de se débarrasser d’un passé totalitaire. Tous ces événements ont été réunis dans un projet de sept panneaux montrant des enfants et leurs parents en maillot de bain jouant avec de l’eau jaillissant du sol, avec en toile de fond les ruines de l’empire soviétique et des missiles tombés au sol.

Avec un immense talent, Yuri Pikul peint des images empreintes de photoréalisme. Il mêle des signes de l’époque soviétique à des scènes de la vie moderne comme un chauffeur de minibus de marchroutkas, le moyen de transport le plus populaire de l’ancienne ère soviétique qui perdure encore aujourd’hui.

Grand admirateur de Vincent Van Gogh, Yuri peint également des paysages, passant une grande partie de son temps en plein air, une pratique qui est devenue un rituel quotidien. Il décrit son expérience comme presque psychédélique et l’a récemment transformée en une forme de peinture abstraite.

Antonio Della Guardia développe une série de grands dessins sur tissu inspirés par l’observation du paysage marin, lunaire et solaire, cristallisés dans un vocabulaire de gestes énigmatiques de la main. Les œuvres, complétées par une série d’instructions caractérisées par un ton méditatif, rêveur et poétique, se transforment en instruments destinés à stimuler les processus latents de l’œil et de l’imagination.

Per un prossimo reale, 2021
Livret d’artiste, édition de 100
1 copie disponible
50 €

Stefano Serretta met en scène un système de regards et d’expressions faciales alternativement figés dans des grimaces de joie, de peur et d’étonnement. Ce travail, clairement inspiré du cinéma, crée un espace dans lequel certains des symboles visuels de la compétitivité et de l’évaluation sont déconstruits, ce qui donne lieu à une narration silencieuse sur la phénoménologie des émotions dans la société contemporaine.

De l’eau apatride. Nous avons besoin de ports pour accoster, de voiliers et d’ailerons pour la baignade. Nous sommes des poissons hors de l’eau.

Port Tonic Art Center est une résidence internationale d’artistes, centre d’art contemporain sur la Côte d’Azur, installé à la place d’un ancien chantier naval de plaisance.

La marina artificielle, aujourd’hui inutilisée, redevient un paradis pour les poissons et une sorte de piscine artificielle/naturelle pour nager loin des vagues de la mer ouverte.

Port Tonic est comme un hélicoptère en vol stationnaire : il résiste aux forces de la nature, attiré par la terre, vise l’horizon en réaction à la mer.

Davide d’Elia
Port Tonic Art Center (PTAC) – Les Issambres – Côte d’Azur – France
Résidence, Eté 2019

Les flotteurs de pêche trouvés parmi les matériaux de Port Tonic représentent l’unité de mesure de cette tension, les microsystèmes avec une architecture élaborée et fonctionnelle, des structures capables de coexister avec l’écosystème qui les entourent.

Comme des sculptures amphibies, ils flottent entre l’eau et l’air : La partie submergée camouflée, parfois irisée, ne suscite aucun souci pour la faune des fonds marins, elle est plutôt conçue pour l’attirer. La partie supérieure, au contraire, légère et effilée, s’étire avec des couleurs fluorescentes pour être en mesure d’être aperçue par l’œil humain, même à distance.

Les œuvres créées lors de la résidence en 2019 sont installées dans la partie de la salle d’exposition en dialogue avec les grandes fenêtres qui encadrent la mer, disposées suivant la ligne d’horizon, réelle ou supposée, en duo avec elle suivant nos déplacements dans la salle.

Il y a trois points focaux autour desquels se déploient les œuvres présentées au PTAC : la perception de l’horizon, la perception du temps, la flottabilité.

Position centrale de l’installation Sunserif : les bandes de plastique qui jusqu’à un mois avant ont été complètement recouvertes de poussière industrielle d’aluminium, puis partiellement nettoyées et rendues transparentes à nouveau, pour perdurer et inviter à réfléchir à la ligne du coucher du soleil.

En face, à côté de la grande fenêtre en verre d’angle, sur la petite fenêtre carrée, la ligne entre mer et ciel est accentuée par l’application d’un vinyle transparent sur le carreau : l’intervention, Belvedere 01, bloque le mouvement de la mer de la vue grâce à la superimposition d’un bleu iris monochrome, une sorte de suspension de l’horizon qui dialogue avec la ligne idéale décrite par Sunserif.

Autour de ce voile horizontal, une série d’œuvres schématiques peintes avec des couleurs acryliques sur différents types de tissus accroissant la perception de chaleur et vice versa, aboutissant à une sorte de pyramide thermométrique : le plus chaud d’entre eux, le Damas moisi, puis le tartan plus froid, jusqu’au glacial iris bleu.

L‘Isla Fluo Tante 00/01/02, les trois diptyques sur les murs sont traversés par une frontière horizontale sur la ligne d’équilibre entre la perception chaude et froide.

Isla Fluo Tante 00 est la synthèse d’une perception totale du tissu tartan sur damas floral.

Pour le diptyque Isla Fluo Tante 01, les deux parties d’un flotteur sont peintes : la partie émergée est peinte sur du tissu de damas tandis que la partie immergée est peinte sur un tissu moisi.

Pour Isla Fluo Tante 02 la perception de température s’oriente vers la légèreté, ou si nous préférons vers l’artificiel. Ici le flotteur se compose pour sa partie supérieure à une toile peinte d’antifouling bleu iris et pour sa partie inférieure à une peinture sur un tissu tartan .

Installés au sol, reposant sur deux supports de protection souples, Fluo Tante 00 et Fluo Tante 02 sont peints en acrylique sur tissu tartan. Elles sont les seules œuvres à ne pas flotter, pour le moment, mais en puissance et parfaitement adaptées pour le faire.

A droite du Belvedere 01, Fluo Riana est suspendu unique et sur un seul support, peint en bleu iris froid antifouling et acrylique fluorescent flottant sur un support « chaud » de tissu de damas floral vintage.

En se dirigeant vers le coin des deux fenêtres, en passant derrière Sunserif, vous tombez sur The Notary : un cadre antique (début des années 1900) apporté par l’artiste de Rome, auquel l’artiste lui faire subir l’action de l’horizon : L’œuvre est travaillée en grattant le bois pour le réduire à l’épaisseur minimale sur sa hauteur, afin d’accentuer l’effet d’immersion inversée, comme une sorte de « tsunami » de peinture bleue iris antifouling venant du eau.

The Notary ressemble, involontairement à une vue inspirée de la marina de Port Tonic, une sorte de « C » plat qui entoure un petit miroir d’eau; Hasard ? Peut-être. Même si à l’horizon on ne réagit jamais par hasard.

Leonardo Petrucci a résidé pendant un mois et demi à Port Tonic Art Center et a produit un nombre important de nouvelles œuvres grâce aux caractères fortement inspirant de l’endroit et l’isolement unique en contact avec la mer au sein de cet ancien chantier naval.

Son travail pendant son séjour a également été influencé par la lumière étincelante typique de la Côte d’Azur durant la journée et le scintillement des étoiles dans la nuit très sombre.

Il n’y a pas de pollution lumineuse et les étoiles peuvent être vues clairement la nuit. Cet aspect a une importance majeure dans la recherche de Petrucci autour de l’alchimie et la science, mais encore sur l’astronomie.

Le résultat de la résidence est une série d’œuvres cohérentes liées à ses recherches, mais plus que jamais, profondément forgées par l’intense force de la nature.

La première série est « Lazy eclipses », une installation de dix petites œuvres représentant la séquence d’une éclipse de lune obtenue par une nouvelle et longue intervention (paresseuse) de l’artiste sur papier noir sur toile.

Les « Atmospheric sculptures » 01 et 02 sont fabriquées à partir de bouteilles en plastique de tonic déformées ou il faut dire « sculptées » par la pressurisation atmosphérique pendant le vol Rome-Nice pour se rendre en résidence à Port Tonic Art Center. L’artiste les a utilisées pour faire des sculptures en béton dans une œuvre d’art à quatre mains avec la nature.

Le « Fisherman », le pécheur, est une corde trouvée dans le hangar et incrustée dans un bloc de béton hexagonal, rappelant la spirale comme un symbole de l’infini, tout comme l’hexagone est une forme géométrique qui remplit l’espace à l’infini (comme les alvéoles des ruches), fixant à jamais un élément fondamental à la pêche dans la matière, ou un objet qui relie la mer avec le ciel.

L’installation « Hyper Ammonite » est une composition de 2m sur 2m. Il se compose de 16 sculptures de coquille d’ammonite en béton préparé à Port Tonic avec de l’eau de mer et placées sur le dessin mural d’un hypercube. Les coquilles sont peintes à l’encre de ces céphalopodes. Chacun d’eux représente une spirale, le plus ancien symbole de l’infini et de la liaison de l’homme avec Dieu alors qu’ils délimitent l’hypercube, un cube impossible comme fait de quatre dimensions et qui ne peut donc pas être visualisé par un œil humain limité à une perception tridimensionnelle. Les travaux se connectent à une nouvelle approche de la réalité qui contemple la base de la physique quantique et de la philosophie.

« Nugget », pépite, est une sculpture puissante en pierre de basalte trouvé sur place et une coquille dorée rappelant le symbole de l’infini. L’action de l’artiste pour sculpter le symbole et sa sublimation par une applique d’or, rappelle le rôle alchimiste dans la recherche de la vérité absolue et la perfection. La pépite  dorée représente l’origine, ou nous devrions dire la vérité absolue, inaccessible à la connaissance humaine. Il est ancré dans l’histoire, dans une pierre de basalte, la plus ancienne pierre magmatique sur terre qui apporte la mémoire de notre passé.

Mon travail s’est développé dans diverses disciplines telles que la sculpture, les installations , la vidéo, la photographie et la peinture. 

Je travaille habituellement par séries ou par projets. Chaque série ouvre la voie à l’émergence d’une nouvelle, faisant de mon processus une sorte de réaction en chaîne.  Je m’intéresse beaucoup  à la relation de dépendance que nous avons vis-à-vis des images et à la manière dont notre perception est médiatisée par des stratégies publicitaires. 

J’ai toujours été attiré par le mensonge et l’illusion présente dans la représentation. 

Mon travail tourne autour de ces problèmes, expérimentant le contraste entre les images plates et le monde physique à travers des recherches sur la circulation des images sur Internet, la supercherie produite par les images numériques, le modernisme, la représentation et le surréalisme. 

En résidence à Port Tonic Art Center, la naissance de la couleur bleue a pu générer une nouvelle série de peintures et d’objets formant une installation. Après avoir enquêté autour des peintures relatives à la Côte d’Azur, j’ai généré des images qui reflètent ces couleurs marines intenses.

Dans le même temps, toutes les toiles sont en relation avec des objets fabriqués en argile, offrant un contraste entre la 3D et la 2D. 

Parmi les œuvres présentées pour ART TONIC 2019, je présente également une vidéo qui a été réalisée en 2015 à Buenos Aires. Je suis poussé à réfléchir sur la supercherie produite par les images numériques à travers des variables formelles utilisées dans la publicité.

Ramiro QUESADA PONS
Port Tonic Art Center – Les Issambres – Golfe de Saint Tropez – France
En résidence – 2019

L’intervention de 2017 se lie intimement au paysage, un lieu de contemplation des divers éléments de l’environnement de Port Tonic : le vent, l’horizon, la lumière, etc, une invitation à vivre une expérience spatiale qui met en exergue nos sens. Délicatement disposée sur le quai de Port Tonic, l’installation vient habiter l’espace entre les bâtiments : un deck se déforme pour créer une assise sous un volume vibrant dans le vent.

Le projet s’installe entre l’atelier et le bâtiment principal dans le but d’amener les visiteurs au plus près de la mer. L’installation se découvre ainsi en accédant au quai et semble cadrer l’horizon. Au sol, le deck délimite un carré dont les côtés mesurent 8 mètres, un multiple de 1,60m correspondant à une hauteur d’oeil moyenne, hauteur de la ligne d’horizon.

Puis, 5 modules verticaux délimitent également un carré de 8 mètres au-dessus d’une assise. Remplis de longs tissus blancs, le volume devient alors une sorte d’ombrière instable qui ondule au gré du vent. Ce lieu de détente invite le visiteur à prendre conscience de l’environnement que nous révèle l’installation

Pour l’installation à Port Tonic les deux artistes Cécile van Hanja et Jeroen van der Beek ont rassemblé leurs idées sur la perspective.

Cécile van Hanja, qui d’ habitude fait des peintures d’architecture moderne, a fait le rapprochement entre la construction du pavillon Port Tonic et les constructions d’architectes Modernistes tels que Mies van der Rohe et Le Corbusier. Ce sont les mêmes lignes droites et les mêmes espaces ouverts qui lui ont rappelé les villas modernistes dans ses propes peintures, il lui manquait seulement une piscine en face du bâtiment existant. Pour Jeroen van der Beek, qui est plutôt spécialisé dans des installations en troisièmes dimensions , l’importance était de pouvoir mettre le visiteur en confusion entre ce qui est réel et ce qui ne l’est pas.

Alors l’idee de la confusion d’une perspective à deux dimensions dans un environnement à trois dimensions est devenu la base du projet. Ensuite les deux artistes ont réalisé le projet sur la grande plate-forme en asphalte devant le pavillon de Port Tonic en prolongeant les lignes verticales et horizontales du bâtiment par des lignes de peinture blanche avec des ombres grises et une piscine bleue en face.

Pour l’observateur qui traversera la plate-forme, les lignes sembleront accidentellement posées. Mais quand il ou elle atteindra le point observateur , où la perspective commencera à fonctionner, les lignes aléatoires créeront soudainement une structure moderne haute de deux étages avec le bâtiment existant. Comme dans les peintures de Cécile van hanja, les reflets du bâtiment seront visible dans la piscine illusoire. Mais lorsque l’observateur mettra un pas plus loin, la structure s’effondrera dans un labyrinthe de lignes qui le laissera dans la confusion de ce qui est réel et ce qui ne l’est pas.