Yassine Balbzioui, un artiste polyvalent né en 1972 au Maroc, se distingue par son utilisation innovante des médias et son défi aux conventions. Au cours des années 1990, il a suivi une variété de cours artistiques et a obtenu plusieurs diplômes, y compris une maîtrise en beaux-arts de l’École des Beaux-Arts de Casablanca au Maroc, ainsi qu’un Diplôme National d’Art et un Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique de l’École des Beaux-Arts de Bordeaux en France. En 2001 et 2002, il a poursuivi une formation en arts et médias à l’Université de Berkeley en Californie (USA) dans le cadre du programme “education abroad program”.

Balbzioui est fasciné par le thème du masque, qui joue un rôle central dans son œuvre. Il estime que la société est souvent fondée sur les apparences. Il déclare : “Nous vivons de plus en plus dans une société qui tente de dissimuler sa véritable nature derrière des mensonges. Chacun adopte une fausse identité”. Ses œuvres invitent constamment le spectateur à remettre en question les notions de sincérité et d’hypocrisie, ou de vérité et de mensonge.

L’absence de visage humain dans l’œuvre de Yassine est frappante ; ses peintures sont peuplées d’animaux et d’oiseaux, faisant souvent référence au bestiaire, et représentent des histoires ou des scènes basées sur les caractéristiques des animaux et leurs similitudes avec les comportements et les traits humains. “L’animal est une créature qui nous ressemble, mais aussi où nous trouvons des attributs de plus en plus absents chez les humains, comme la douceur ou la noblesse”, dit l’artiste. Ses œuvres explorent l’idée de “être” et “paraître” à travers la forme des masques, et comment nos choix et actions sont parfois plus influencés par des instincts primitifs que par des décisions réfléchies. Avec cette technique, les peintures à l’huile de son travail présentent des caméléons, faisant référence à la façon dont les Indiens apprennent à s’adapter à toutes les situations.

Son travail se développe autour de différents axes : essentiellement peintre et dessinateur, il développe, dans une veine néo-expressionniste, une production d’une grande richesse formelle et sémantique, dans laquelle la représentation de l’animalité humaine, le plus souvent sous le couvert du masque, croise les notions de dérision, d’idiotie, de grotesque, appréhendées comme postures artistiques. Dans un esprit distancié, proche de la simplicité fluxus (bien que sans rapport formel avec ce mouvement), son œuvre théâtralisante met en exergue de manière radicale et systématique l’ « esprit de sérieux », et s’évertue, avec un vitalisme jamais démenti et une énergie brute, au mélange de l’art et de la vie.

Si le quotidien reste sa source principale d’inspiration, un quotidien sans cesse décalé sous son regard insolite, Yassine Balbzioui y interfère de nombreux univers, ceux du cinéma – séries Z et films d’horreurs-, du théâtre et de la danse, des contes et légendes…Tout est propice à nourrir son insatiable imaginaire. En perpétuelle recherche, il développe aussi des travaux sur divers médiums : sculpture, céramique, photographies, installations, vidéo. Se mettant fréquemment en scène, il déploie également une importante activité de performeur, dans laquelle on peut observer toute la mesure de sa folie !

Récemment sélectionné par Simon Njami pour la 12ème Biennale de Dakar (Sénégal), Yassine Balbzioui a, depuis quinze ans, exposé son travail un peu partout dans le monde : en France (Paris, et notamment en 2014- 2015 à l’Institut du Monde Arabe pour l’exposition panorama « Le Maroc contemporain », mais aussi Bordeaux, Montluçon ou Nantes), au Maroc (dans l’exposition inaugurale du Musée Mohammed VI, en 2014, mais aussi à Casablanca, Rabat, Essaouira), en Allemagne (Bayreuth, Stuttgart, Berlin), aux Pays-Bas ( Amsterdam), au Mexique, en Italie (Cagliari, Sardaigne, Milan) en Espagne, à Bamako au Mali. Sa carrière est ponctuée de nombreuses résidences artistiques en divers lieux de création à l’étranger, parmi lesquelles, récemment, Trident Space à Hyderabad, en Inde, et cette année 2024 à Port Tonic Art Center.

Ses œuvres ont intégré plusieurs collections privées et publiques, parmi lesquelles celle du Musée de Bank Al-Maghrib, à Rabat (Maroc) et la Fondation Alliances (Maroc).

Arvin Nogueras, également connu sous le nom de Caliph8 (principalement associé aux premiers graffitis de Manille et aux mutations du hip-hop) est né à Manille, aux Philippines, en 1977.

Il voit son travail comme un continuum. Depuis le début des années 90, son intérêt pour diverses formes d’art lui a permis de croiser et de fusionner différentes disciplines. Il utilise un assortiment de modes pour concrétiser ses idées en œuvres réelles ou en performances, négociant toujours une multiplicité de relations avec le passé, tout en habitant le présent. Son exploration des expériences visuelles et sonores l’a amené à développer un langage créatif qui traite des idées de fusion des sensibilités et de création d’hybrides, ainsi que de leurs implications transformatrices. Dans l’ensemble, cette demarche met l’accent sur l’approche multifacette inhérente au processus d’expérimentation.

2000 BFA, University of the Philippines, Quezon City (RP)

DÉCLARATION DE L’ARTISTE :

Mon travail explore le processus et les implications de la fusion, de l’addition et de la transformation, où je crée une mutation ou un hybride de certains phénomènes du passé à l’actuel. Il est souvent provoqué par le contraste réel des différentes conditions de vie, des phénomènes culturels du passé et des images occultes de mon subconscient. Mon travail implique également certaines conditions de santé dont je souffre, ce qui m’a rendu hypocondriaque.

Je vois mon travail comme une miscegenation ou une amalgamation de ces idées, expériences et conditions.

Mon esthétique tente de fusionner un assortiment de sensibilités culturelles créant une tension déséquilibrée. Je dis cela parce que j’aborde et façonne ces éléments initialement comme quelqu’un avec des sensibilités hip hop qui sont assez indélébiles, ce qui ignore certaines protocoles ou traditions culturelles. Ce moyen décalé d’entrelacer des idées tangentielles et des sensibilités culturelles rend tout le processus créatif subversif dans ses façons de juxtaposer, ou même de les tronquer en formes granulaires, causant un effet de mélange et de désorientation.

J’ai une fière histoire avec les racines de la culture graffiti et hip hop, mais je mords aussi la main qui me nourrit et je lui coupe la tête ; les sensibilités du graffiti sont fortement présentes dans mon travail mais en un sens elles sont aussi brisées, malformées et dystopiques dans leur état, détruisant et reconstruisant leur essence, créant des formes et des idées hybrides.

Je m’intéresse à certains phénomènes sociaux, comment les gens sont dans un état de mentalité de troupeau. Voyant la plupart comme des victimes et sont comme des moutons versus célébrer une variété de culture et de sensibilités, les discerner et les digérer puis prendre une merde et ensuite créer de nouvelles choses à partir de cette merde.

Je m’intéresse à l’exploration et à la manipulation du son, ce que je crois influence mes esthétiques visuelles et vice versa.

A Rotten Pile of Temporary Realizations

OPENING:
Saturday, May 03, 2014, 6 pm

EXHIBITION DATA:
May 03 to June 27, 2014

1335MABINI présentait Arvin Nogueras dans une exposition personnelle intitulée « A Rotten Pile of Temporary Realizations » du 3 mai au 27 juin 2014. Travaillant avec des déchets métropolitains imprégnés de sensibilités underground, Arvin attirait l’attention sur des objets urbains aux tendances subversives. Au mépris total des conventions, l’artiste laissait dans son sillage un amas d’œuvres brutes et grossières, abrasives des tendances artistiques et culturelles dominantes. Arvin s’inspire de son expérience dans le graffiti et le hip-hop, et sans aucun doute les renverse avec ses manipulations matérielles et audio. Avec cette exposition, Arvin a mis en avant les rues de la ville et le subconscient, le laissant fermenter avec ses particularités pour donner le goût du repoussant juste sous notre nez.

Fabro Tranchida est né en 1987 à Buenos Aires.

Artiste visuel et professeur d’histoire de l’art, Fabro est titulaire d’un baccalauréat en gestion de l’art et de la culture de l’UNTREF (Argentine) et d’une maîtrise en art technologique contemporain et performatif (Université du Pays Basque).

Il a été récemment lauréat du prix du Musée Guggenheim de New York.

Fabro Tranchida, en sa qualité d’artiste et de commissaire d’exposition, mène des investigations visuelles qui explorent les représentations de la jeunesse et des masculinités dans notre société contemporaine. Il porte également un regard critique sur les questions liées implications sociales, en particulier dans le contexte actuel marqué par des injustices omniprésentes.

L’atelier de Fabro lors de sa résidence à Port Tonic Art Center en 2024 :

Sa dernière série, intitulée “Hagiographies de quartier”, illustre parfaitement cette démarche. Dans cette série, Tranchida explore les dynamiques d’amitié au sein des quartiers périphériques de Buenos Aires, avec le football comme lien unificateur. Cette œuvre a été exposée à la galerie Wunsch à Buenos Aires :