Pablo La Padula est né à Buenos Aires en 1966. Il est docteur en Sciences Biologiques de la Faculté de Sciences Exactes et Naturelles, UBA. Il conduit des investigations biologiques dans le laboratoire d’Hypoxie et Respiration Cellulaire de l’institut Taquini, Faculté de Médecine, UBA -CONICET. Il a développé un modèle de protection contre l’infarctus cardiaque par acclimatation simulée à l’altitude (exposition contrôlée à basse pression d’oxygène) sans l’utilisation de pharmacopée ou médicaments. Sa production scientifique peut être consultée dans des revues scientifiques internationales comme Nitric Oxide, Brain Research, Hypertension, Journal of Applied Physiology et Journal of Hypertesion.

Il s’est formé en arts visuels avec Alberto Goldenstein, Carlos Gorriarena, Eduardo Stupía et en arts théoriques comme Graciela Speranza et Ines Katzenstein à l’Université Torcuato Di Tella. Une partie importante de son oeuvre a récemment été intégrée à la collection du Musée d’Art Moderne de la Ville de Buenos Aires, sous la direction de Victoria Noorthoon.

Né à Cava de ‘Tirreni  en 1973, il vit et travaille actuellement entre Rome et Londres. Dans ses œuvres, Davide D’Elia propose des expériences sur le temps qui passe. Entre la contamination entre différentes langues, de la photographie aux installations complexes multi-matériaux, D’Elia raisonne sur les rapports de force qui régissent le monde qui nous entoure, par exemple l’interaction entre agents atmosphériques et objets d’art. Ses œuvres redéfinissent souvent la terminologie graphique de l’esthétique moderne en se présentant au-delà de l’objet et de l’objectivité (qui sont pourtant des symboles importants), ce qui lui permet d’obtenir un raisonnement qui examine les concepts du temps et de son déroulement.

Son œuvre la plus populaire, exposée dans la galerie Ex-elettrofonica à Rome, se nomme Antivegetativa. D’Elia a peint en bleu à mi-hauteur tout ce qui se trouvait dans une pièce. Selon l’artiste, cet œuvre est une expérience sur le temps qui passe.

Né à Grosseto (03/05/1986), il a étudié à l’Accademia di Belle Arti de Rome et s’est construit en peinture avec le professeur Costantino Baldino. Il a obtenu son diplôme universitaire en 2009 avec une thèse en histoire de l’art portant le titre « Arte dell’Alchimia e Alchimia dell’Arte », avec une évaluation de 110/110 e Lode et avec Giovanna Dalla Chiesa en tant que son superviseur. À partir de janvier 2012, il travaille dans son atelier du Pastificio Cerere dans la région de San Lorenzo à Rome.

 « Depuis cinq ans, mes recherches artistiques ont porté sur des sujets particuliers qui ont toujours fasciné l’être humain. En fait, des concepts tels que la géométrie sacrée, l’alchimie, la cabale et l’astrologie ont des propriétés mystiques et symboliques. La technique que j’utilise principalement est une médiation entre l’art pictural et l’art numérique, afin de pouvoir fondre la tradition toscane classique dont je viens avec la réélaboration sur ordinateur. Mon approche avec le travail lors de sa réalisation est la même que celle d’un alchimiste avec la transmutation de la substance : je me suis toujours mis en jeu et je cherchais l’impossible en le réalisant avec la formation d’énigmes linguistiques et mathématiques. »

Gabriel Chaile, artiste argentin, a étudié les arts plastiques à l’université nationale de Tucumán. En 2008, il a participé au programme « Pensados » situé dans la ville de Salta et, l’année suivante, il s’est installé à Buenos Aires où il a créé le programme d’artistes de l’université Torcuato Di Tella à Buenos Aires. En 2010, il a été sélectionné pour participer au Laboratoire de recherche sur les pratiques artistiques contemporaines (LIPAC) du Centre culturel de Rojas. Ses expositions principales étaient : Le début de la beauté est à la fin de celle-ci, au Centre Culturel Borges (2011), Toutes les choses étaient communes, à la Galerie Alberto Sendros (2012) et À laisser le sillon à la terre, dans le Fonds national des arts (2014).

Dans ses œuvres, Gabriel Chaile fusionne des objets symboliques et des matériaux austères, tels que l’adobe, la brique et l’œuf, auxquels il fait référence pour des besoins sociaux fondamentaux tels que la nourriture, le logement et le travail.

« Ce qui m’intéresse, c’est que je génère des images qui ne sont pas régies par une discipline spécifique. Il est bon que l’art contemporain vous permette, au sein d’un même corpus, de travailler sous différents formats ».  Ramiro Quesada Pons, artiste argentin né en 1987, a étudié les arts visuels à l’Université nationale de Cuyo (2005-2009). Après avoir développé son art dans différents lieux, notamment des universités, Ramiro travaille aujourd’hui au Centre culturel Borges à Buenos Aires.

Photos, vidéos, objets, installations et sculptures sont les disciplines qu’il utilise en fonction des idées et des projets qui le passionnent. Être né dans une famille d’artistes est un fait autobiographique qui vit naturellement, a-t-il déclaré, et comprenait avec le temps et la distance l’empreinte que cela signifiait. Le dessin dans l’enfance de Ramiro était aussi présent que les bandes dessinées et les films qui au-delà de l’intrigue ont insisté pour être visionnés mille fois.

Valerio Nicolai est un artiste italien né à Gorizia et vivant à Milan ; il a fréquenté l’Académie des Beaux-Arts. En 2011, il a reçu une bourse d’étude de la Fondation Bevilacqua La Masa à Venise. Il a exposé dans de nombreuses galeries et institutions, notamment Treti Galaxie, Turin, Italie, Clima Gallery, Milan. En 2015, il faisait partie de SHIT AND DIE, une exposition produite par Artissima Turin et organisée par Maurizio Cattelan.

Les œuvres médiatiques transformatrices de l’artiste italien Valerio Nicolai sont définies par leur expérience contextuelle. Travaillant avec des personnages, des histoires, des objets et des ambiances variés, Nicolai conçoit des récits visuels mettant en scène de l’argile, des oiseaux taxidermiés et vivants, ainsi qu’une épaisse huile sur toile. Nicolai explore continuellement les limites de l’espace pictural, étendant ses installations pour envelopper l’espace environnant dans des champs de couleurs, des formes et des structures.