Kim Lim (née en 1985, à Manille, Philippines) est une artiste visuelle et une designer d’intérieur avec plus de 17 ans d’expérience dans le design spatial, la direction créative et le récit visuel. Basée aux Philippines, elle est la fondatrice de la Kapit-Kulay Foundation, où elle dirige des sessions d’art-thérapie pour les femmes en prison. Ces rencontres intimes nourrissent profondément sa pratique de la peinture, donnant lieu à des œuvres symboliques et émotionnellement chargées qui explorent les dualités de la vie des femmes : résilience et douceur, traumatisme et guérison, enfermement et liberté.
Kim détient une licence en design d’intérieur de l’École philippine de design d’intérieur (2007) et a obtenu une certification en dessin et peinture intensive dans un programme accrédité par l’Art Renewal Center en 2022. Sa transition vers la peinture a été à la fois organique et nécessaire, façonnée par sa profonde compréhension de la composition, de la matérialité et de l’espace narratif. Travaillant principalement à l’acrylique et à l’huile, elle crée des images oniriques en couches inspirées des mythes, des souvenirs et des terrains psychologiques des femmes avec lesquelles elle interagit.
En 2025, elle a présenté sa première exposition personnelle « Teeth and Tenderness » à Tang Contemporary Art à Bangkok. L’exposition a été chaleureusement accueillie et a conduit à de nombreuses mentions dans les médias locaux et les publications artistiques à Bangkok et Manille.
Elle a participé à des expositions, dont « Empower Her Palette » (2024), un partenariat avec l’ambassade de France et SPARK! Philippines, où elle a défendu et dirigé des efforts pour amplifier les voix des artistes féminines philippines et a montré comment l’art peut être un puissant moyen de guérison. Elle a également exposé son travail au Pinto Museum, à la León Gallery, à l’Underground Gallery, à la Provenance Gallery et à 8 Rooms à Manille. Son travail continue d’évoluer à l’intersection de l’art, de la guérison et de l’engagement social.

Les peintures de Kim Lim évoquent des mondes mythiques et oniriques où le pouvoir féminin se déploie sous la forme d’intuition, de mémoire et de maîtrise silencieuse. Ses figures — à la fois oracle et êtres hybrides — émergent de forêts luxuriantes et de royaumes sous-marins, rayonnant de présence plutôt que de la rechercher. Peuplées d’animaux symboliques, de flores lumineuses et d’échos ancestraux, ses œuvres reflètent les paysages émotionnels que les femmes portent et protègent. À travers un récit à couches et un détail surréaliste, Lim invite les spectateurs dans des royaumes à la fois intimes et expansifs — des espaces où les frontières entre soi, la nature et le subconscient se dissolvent.

Bjorn Calleja, né en 1981 à Manille, Philippines, est un artiste contemporain philippin reconnu pour son univers visuel surrealiste, décalé et haut en couleur, mêlant humour et critique sociale. Son travail détourne les formes humaines avec exagération et ironie pour interroger l’identité, l’absurdité de l’existence et les normes sociales.

Polyvalent, il maîtrise plusieurs médiums — peinture, dessin, sculpture, animation et installation — qu’il combine dans des œuvres aussi ludiques que profondes, où le grotesque flirte avec le familier. Très actif sur la scène asiatique et internationale, il a exposé dans de nombreuses galeries et foires d’art majeures.

Sa série d’expositions personnelles, comme “The Triumph of Ignorance”, “Alone with Everybody” ou encore “Postcolonial Rubbish”, explore avec acuité les contradictions de la société moderne. Il a aussi été remarqué dans le monde de l’art numérique, via des NFT présentés à Art Basel Hong Kong, SEA Focus à Singapour, ou Tez Art Mtl.

Calleja est également à l’origine du Stoopid Avatar Project (2021), une collection satirique de portraits numériques sur blockchain. Finaliste du Sovereign Asian Art Prize 2023, il est aujourd’hui l’une des figures incontournables de l’art contemporain philippin, à la croisée de la critique, de l’humour et de l’imaginaire.

Chengcheng Sheng est une artiste chinoise, née en 1996, spécialisée dans la peinture expressionniste figurative et les études curatoriales.

Diplômée de la China Academy of Art et de la Nuova Accademia di Belle Arti di Milano (NABA), elle explore la mémoire et l’identité à travers des projets mêlant art, écologie et anthropologie. Son travail a été exposé à des événements internationaux, notamment l’ARTE LAGUNA PRIZE et le BY ART MATTERS. Elle a également publié des recherches et participé à des séminaires académiques, mettant en avant une approche interdisciplinaire.

Elle est l’autrice de l’essai visuel Zarafa – Fable about the Continuation of Species, qui examine la relation entre l’art et la préservation des espèces. Ses projets tels que HUASHIGANG | The Stone and Flower Program, Concealment Entangled et 40°44’14.2″N 80°19’45.6″E – Botanical Garden Theater témoignent de son engagement envers l’étude des matériaux, des écosystèmes et des récits humains.

Son travail allie peinture, photographie, vidéo et installations pour interroger notre rapport au monde naturel et socioculturel. Par son approche sensible et expérimentale, elle contribue activement aux dialogues contemporains sur l’art et la mémoire.

Damini Yadav (née en 1998, Gujarat, Inde) est une artiste multidisciplinaire, écrivaine et commissaire d’exposition originaire du Malawi, actuellement basée à Milan, en Italie. Sa pratique englobe la peinture, le collage, l’art environnemental, les installations immersives et la performance. Ancrée dans la diversité de son parcours multiculturel, Yadav explore des thèmes tels que l’incarnation, l’interconnexion et la relation entre le soi et le monde naturel.

Sa pratique est profondément axée sur le processus et guidée par une forte sensibilité aux matériaux, aux couleurs et à la composition. S’inspirant du son, des rituels, du rythme et du quotidien, elle construit des langages visuels intuitifs qui fusionnent souvent l’abstraction avec des structures organiques. Par le biais de superpositions, de répétitions et de tracés, son travail devient une forme de méditation—inviter les spectateurs à réfléchir sur la manière dont nous percevons, habitons et laissons des traces dans le monde qui nous entoure.

Elle est titulaire d’une licence en beaux-arts avec une spécialisation en pratiques artistiques contemporaines de Bangalore, en Inde, et poursuit actuellement un master en arts visuels et études curatoriales à la NABA, Milan. Elle a enseigné l’art au niveau primaire au Malawi et est la fondatrice du mouvement Body to Earth, un projet qui explore la conscience corporelle et sa connexion à la terre.